Características del arte posmoderno

El postmodernismo no es un movimiento, es una actitud general. Por lo tanto, no existe una lista acordada de características que definan el arte posmoderno. Algunos puntos que definen mejor al arte posmoderno.

Ideología General

El arte posmoderno refleja una desilusión generalizada con la vida, así como el poder de los sistemas de valores existentes y / o la tecnología para efectuar un cambio beneficioso. Como resultado, la autoridad, la experiencia, el conocimiento y la eminencia del logro se ha desacreditado. Los artistas son ahora mucho más cautelosos acerca de grandes ideas (por ejemplo, todo el “progreso” es bueno). El arte moderno era visto no sólo como elitista sino también como blanco, dominado por hombres y desinteresado de las minorías. Es por eso que el posmodernismo defiende el arte de artistas del Tercer Mundo, feministas y grupos minoritarios. Sin embargo, los críticos dicen que – a pesar de su supuesto “rechazo” de las grandes ideas – el arte posmoderno parece tener un montón de grandes ideas propias. Los ejemplos incluyen: “todos los tipos de arte son igualmente válidos”; “El arte se puede hacer de cualquier cosa”; “La democratización del arte es una cosa buena”.


Parafraseando a Andy Warhol, “cualquiera puede ser famoso por 15 minutos”. Esta idea, más que ninguna otra, resume la era posmoderna. Frente a un nuevo mundo absurdo, la respuesta posmodernista ha sido:
De acuerdo, vamos a jugar con esta tontería. Aceptamos que la vida y el arte ya no tienen ningún significado intrínseco obvio, pero ¿y qué? Experimentemos, hagamos el arte más interesante y veamos hacia dónde nos lleva. Quién sabe, tal vez podamos ser famosos por 15 minutos!

Educación artística

El postmodernismo cambió las prioridades educativas en numerosos colegios de arte. Durante la década de 1970, el arte de la pintura (y en menor medida la escultura), fue visto como desgastado. Además, la idea de trabajar durante cuatro años para dominar las habilidades necesarias de estas artes plásticas tradicionales, se consideró retroceder. El arte, se creía, debía ser liberado de la élite y abierto al público, por lo que las escuelas de arte comenzaron a convertirse en un nuevo tipo de graduado – alguien familiarizado con formas postmodernistas al estilo instantáneo, así como técnicas básicas de producción. En pocas palabras, la “creatividad” individual se consideraba más importante que la acumulación de habilidades artesanas.

Uso de la tecnología

La era del arte postmoderno ha coincidido con la llegada de varias nuevas tecnologías basadas en imágenes (por ejemplo, televisión, video, serigrafía, computadoras, Internet) y se ha beneficiado enormemente de ellas. La nueva gama de imágenes vídeo y fotográficas ha reducido la importancia de las habilidades de dibujo y manipulando la nueva tecnología, los artistas (especialmente los que están involucrados en los nuevos medios, como la instalación, el vídeo y el arte basado en lentes) Los procesos tradicionales involucrados en “hacer arte”, pero todavía crear algo nuevo. Esto es ilustrado por la fotografía documental de Diane Arbus, que se centra en los miembros de las minorías en la ciudad de Nueva York, y el videoarte del coreano-americano Nam June Paik (1932-2006).

El enfoque posmodernista en la cultura popular / baja

El término alta cultura es utilizado frecuentemente para distinguir la alta cultura, o las bellas artes, de la baja cultura popular de medios de comunicación, etc. Los modernistas, junto con sus partidarios influyentes como Clement Greenberg (1909-94) consideraban la cultura baja como inferior a la alta cultura. Por el contrario, los posmodernistas -que favorecen una idea más “democrática” del arte- ven a la “alta cultura” como más elitista. Así, el pop-art -el primer movimiento posmodernista- hizo arte a partir de artículos de consumo ordinarios (hamburguesas, latas de sopa, paquetes de jabón en polvo, tiras cómicas). Los artistas pop y otros fueron aún más lejos en sus intentos de democratizar el arte, imprimiendo su “arte” en tazas, bolsas de papel y camisetas: un método que por cierto ejemplifica el deseo posmodernista de socavar la originalidad y la autenticidad del arte.

Mezcla de géneros y estilos

Desde el Neo-Dada, los posmodernistas han disfrutado mezclando cosas – o inyectando elementos novedosos en formas tradicionales – para crear nuevas combinaciones y pastiches. Fernando Botero crea pinturas de figuras primitivas de figuras obesas; Georg Baselitz pinta figuras al revés. Gerhard Richter combinó el arte de la cámara y la pintura en sus «pinturas fotográficas» de los años 70, mientras que Jeff Koons combinó imágenes consumistas (formas de globos) con técnicas escultóricas altamente acabadas para crear sus esculturas pop de Balloon Dog (1994-2000). Mientras tanto, Andreas Gursky combina la fotografía con imágenes generadas por computadora para crear obras como Rhein II (1999, MOMA, Nueva York), mientras que Jeff Wall utiliza fotomontaje digitalmente procesado en sus creaciones pictorialistas posmodernas.

Múltiples Significados

Los artistas posmodernos han desechado la idea de que una obra de arte sólo tiene un significado inherente. En cambio, creen que el espectador es un juez igualmente importante de significado. La fotografía surrealista de Cindy Sherman, por ejemplo, resalta la idea de que una obra de arte puede ser interpretada de varias maneras. De hecho, algunos artistas -como el artista de actuación Marina Abramovic (1.946) – incluso permiten a los espectadores participar en sus “obras de arte”, o incluso exigir la intervención de los espectadores para completar su trabajo.

Satisfacer las necesidades de los consumidores

El crecimiento del consumismo y la gratificación instantánea durante las últimas décadas del siglo XX también ha tenido un enorme impacto en el arte visual. Los consumidores ahora quieren la novedad. También quieren entretenimiento y espectáculo. En respuesta, muchos artistas posmodernistas, curadores y otros profesionales han aprovechado la oportunidad para convertir el arte en un “producto de entretenimiento”. La introducción de nuevos tipos de arte -por ejemplo, performance, happenings- junto con nuevos temas incluyendo cosas como tiburones muertos, moscas moribundas, enormes esculturas de hielo, multitudes de cuerpos desnudos, edificios que parecen estar en movimiento, una colección de 35.000 figuras de terracota, islas envueltas en tela de polipropileno rosa, cuerpos pintados, fantasmagóricas imágenes proyectadas en edificios públicos, etcétera- han proporcionado a los espectadores una serie de nuevas experiencias (a veces chocantes). Si estas nuevas formas de arte llaman realmente el “arte” sigue siendo un tema muy controvertido. Los conceptualistas posmodernos dicen “Sí”, los tradicionistas dicen “No”.

Se concentra en el espectáculo

En la ausencia de un significado real a la vida – sobre todo cuando somos bombardeados día y noche por la radio y la publicidad de televisión, mientras que al mismo tiempo se ven obligados a escuchar a los políticos explicar que dos más dos es igual a tres – posmodernistas han preferido centrarse en el estilo y Espectáculo, a menudo utilizando materiales publicitarios y técnicas para el máximo impacto. Este enfoque se ejemplifica por los métodos de impresión comercial, imágenes de vallas publicitarias y colores primarios de artistas pop como Roy Lichtenstein y James Rosenquist. Este enfoque en la superficie es una característica recurrente del arte postmodernista, ya veces va por encima de la parte superior con imágenes melodramáticas, deslumbrantes, incluso chocante. Vea, por ejemplo, la fotografía de moda de Nick Knight y David LaChapelle. Desde 1980, el uso de computadoras y otras tecnologías ha revolucionado el arte multimedia (por ejemplo, animación), y ha creado oportunidades específicas en áreas como la arquitectura y la cartografía de proyección.
La importancia que el posmodernismo pone en llamar la atención de la audiencia se ilustra perfectamente con las tácticas de choque de un grupo de estudiantes de Goldsmiths College, conocidos como los jóvenes artistas británicos, en Londres a finales de los años ochenta y noventa. Hecho famoso por tres exposiciones – Freeze (1988) y Modern Medicine (1990), ambos comisariados por un estudiante desconocido llamado Damien Hirst (1969) y Sensation (1997) – los YBAs fueron criticados por su escandaloso y mal gusto  (Rachel Whiteread, Damien Hirst, Douglas Gordon, Gillian Wearing, Chris Ofili, Steve McQueen y Mark Wallinger) se convirtieron en ganadores del premio Turner, mientras que otros (Jake y Dinos Chapman, Tracey Emin, Marc Quinn y Jenny Saville) alcanzaron considerable fama y fortuna.

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