Ejemplos de arte renacentista

El arte del Renacimiento muestra figuras humanas bien reales, incluso con proporciones perfectas.
Comencemos por mirar dos pinturas diferentes de la Virgen María, una del período bizantino y otra del Renacimiento, para dar una idea de la profunda transformación que experimentó el arte durante el Renacimiento:

Madonna y niño en una pintura de panel de madera del trono curvo

Madonna y niño en un trono curvo, 1200. En esta pintura de paneles de madera del período bizantino, los cuerpos de María y Jesús son incorpóreos y ocultos en las cortinas. Los pliegues de la cortina están representados por estriaciones de hojas de oro; incluso donde verías rodillas, tienes una acumulación de oro en lugar de luz y sombra. La imagen no tiene la sensación de profundidad y espacio. Además, se retrata a Jesús cuando era un bebé, pero parece un adulto en miniatura.

Pintura de Madonna del Cardellino por Rafael, 1506

Esta pintura del Renacimiento demuestra los cambios en el estilo pictórico. La Virgen se ha vuelto mucho más realista y humana; ella tiene una forma real, extremidades reales, una expresión real en su rostro. No solo se ve natural, sino que se encuentra en un entorno natural. Jesús y Juan el Bautista parecen bebés reales, no adultos en miniatura. Rafael utilizó la perspectiva para dar profundidad a la pintura. También capturó el amor del Renacimiento por combinar la belleza y la ciencia, devolviendo cosas como la geometría de los antiguos griegos: María, Cristo y Juan el Bautista forman una pirámide.

Dinero tributo por Masaccio, 1425.

Masaccio fue un pionero en la técnica de la perspectiva de un punto; la pintura es una imagen de lo que vería una persona que mira la escena. Observe cómo Pedro, junto al agua y las montañas son más pálidos y menos claros que los objetos en primer plano. Las líneas en la pintura se encuentran sobre la cabeza de Jesús en un punto de fuga. Parece que las figuras están iluminadas por la luz de la capilla, ya que todas sus sombras caen en la misma dirección. Tal toque nos parece básico hoy en día, pero incorporar una luz de una fuente específica y usarla para otorgar cifras de tridimensionalidad fue innovador para la época.

La pintura de La Última Cena de Leonardo da Vinci, 1498

Un ejemplo de la forma en que los artistas del Renacimiento deseaban atraer al espectador a la pintura representando una escena vibrante llena de psicología y emoción reales. Todos los apóstoles tienen diferentes reacciones a Cristo revelando que uno lo traicionará. Al igual que en Dinero Tributo, la cabeza de Jesús se encuentra en el punto de fuga de todas las líneas de perspectiva.

La Creación de Adán, por Miguel Ángel, 1511. En esta sección más famosa de la Capilla Sixtina, la naturaleza personal de la fe, el potencial divino del hombre y la idea de que el hombre es cocreador de Dios se representa vívidamente. También lo es el interés renacentista en la anatomía; Dios está descansando en el contorno del cerebro humano. Miguel Ángel, como Leonardo, realizó numerosas disecciones de cadáveres humanos con el fin de obtener una mirada profunda y realista de las partes y la estructura del cuerpo humano.

David, de Michelangelo, 1504. Los artistas del Renacimiento crearon los primeros estatutos desnudos independientes desde los tiempos de la antigüedad. Miguel Ángel creía que la escultura era la forma más elevada de arte, ya que se hace eco del proceso de creación divina. Su David es el ejemplo perfecto de la celebración renacentista de la forma humana ideal. La estatua transmite un rico realismo en forma, movimiento y sentimiento. La parte superior del cuerpo y las manos no son del todo proporcionales, tal vez debido al hecho de que el trabajo estaba destinado a ser puesto en un pedestal y visto mirando hacia arriba. Miguel Ángel era un maestro para retratar a los sujetos en momentos de transición psicológica, como si acabaran de pensar en algo, y se cree que esta estatua representa el momento en que David decide matar a Goliat.

Pintura de La Escuela de Atenas por Rafael, 1510

Esta pintura, que representa a todos los grandes filósofos de la antigua Grecia y Roma, sirve como ejemplo de la forma en que los artistas del Renacimiento se inspiraron y escucharon desde los tiempos de la antigüedad. Las líneas de perspectiva atraen al espectador hacia el centro de la pintura y el punto de fuga donde se encuentran los dos filósofos más grandes de la historia, Platón y Aristóteles. De acuerdo con sus filosofías, Platón señala los cielos y el reino de las Formas, mientras que Aristóteles señala la tierra y el reino de las cosas.

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