Historia del dibujo

El dibujo comenzó en las cavernas y refugios de rocas durante la Era de Piedra cuando las piedras cortadas fueron usadas para crear grabados prehistóricos y el carbón fue usado para crear trabajos como la Nawarla Gabarnmang que es el grabado prehistórico más antigüo del mundo (26.000 años a.C.). En el arte occidental la historia del dibujo como un documento artístico autónomo, en lugar de simplemente un boceto preliminar para otra cosa, se inició a finales del siglo 14. No es sorpredente que los grandes dibujantes hayan sido también grandes pintores, ilustradores, artistas gráficos, o grabadores. Por lo tanto los centros de dibujo más importantes y los períodos de mayor actividad general coinciden con los centros y épocas de otros tipos de obras de arte.
En los dibujos del norte de los Alpes,  los primeros dibujantes más completos pertenecen a finales del siglo 15. El maestro alemán no identificado del conocido libro Housebook (denominado a partir de una serie de dibujos contenidos en un libro descubierto en el castillo de Wolfegg) y su contemporáneo Martin Schongauer (1430-1491). El más joven Durero ejemplifica la precisión creativa y la metodología de dibujo que caracteriza el Renacimiento alemán. Un dibujante incansable, que llegó a dominar todas las técnicas y ejerció una influencia duradera y generalizada.

el-hombre-de-los-lamentos-schongauer

El Hombre de los lamentos. Martin Schongauer 1470. estilo renacentista del norte, 157×223 cm, se puede ver en Albertina, Vienna.

Los dibujos de paisajes de Durero, así como aquellos de Altdorfer y Huber demuestran una sorprendente sensación de la naturaleza que casi podría llamarse romántica. Los dibujos de retratos humanistas de Hans Holbein el Joven, también tuvieron un impacto significativo en los contemporáneos, al igual que la linealidad más estricta de los retratos del padre francés y su hijo, Jean (1485-1540) y François (1510-1572) Clouet.
Mientras tanto, al sur de los Alpes, el dibujo estaba pasando por una fase aún más revolucionaria como parte del renacimiento italiano.

Cómo el dibujo Influenciado renacimiento italiano
Hasta el siglo XIV, el dibujo raramente se valora como una forma de arte en sí mismo. En cambio, se ve simplemente como un diseño preliminar de una pintura o una escultura. El pintor italiano Cennini (c.1369-1440) dotó de un cierto respeto por lo describe como la puerta de entrada a la pintura con éxito, pero no fue hasta el Renacimiento italiano y la llegada de artistas como Leonardo Da Vinci y Miguel Ángel, un siglo después (junto con una mayor disponibilidad de papel) que se convirtió en una forma de arte independiente.

albert-durero

Dibujo de Durero

El primer Renacimiento italiano fue testigo de acontecimientos importantes en el dominio de la perspectiva, tanto en dibujo y pintura.
Todo el arte naturalista con cualquier forma de fondo sujeto necesita profundidad. Es decir, el fondo debe aparecer distante, en relación con el primer plano. El término perspectiva lineal denota esta creación de la profundidad mediante el cual las imágenes de fondo en un dibujo plano aparecen más lejos. El control de la “punto de fuga”, la convergencia de las líneas de punto de vista del artista, es crítica. Los dibujantes italianos renacentistas que fueron pioneros de las reglas de la perspectiva lineal incluyen: Andrea Mantegna (1431-1506), Piero della Francesca (1420-1492), en su pintura La flagelación de Cristo (c.1470), Rafael (1483-1520) en su trabajar la escuela de Atenas (c.1509).

Andrea Mantegna

Grabado de Andrea Mantegna

Los artistas del primer Renacimiento (c.1400-90)
El siglo 15 italiano del renacimiento fue testigo de una gran cantidad de experimentación con diferentes medios y soportes. He aquí una breve lista de dibujantes italianos y sus dibujos.
Fra Angelico utiliza la pluma y la tinta de lavado para el profeta David en Reproducción de un salterio (1430), actualmente en el Museo Británico de Londres; Antonio Pisanello utiliza la pluma y tinta, acuarela. aguada y restos de tiza de color negro o metalpoint por su Jabalí (1434, Louvre) de color blanco; Jacopo Bellini utiliza claroscuro para La Visión de San Eustaquio (1445, Museo Británico, Londres); Fra Filippo Lippi utiliza punta de metal y marrón sobre lápiz negro, resaltado con blanco en el papel preparado de color salmón para l cuadro Santa de Pie (c.1440, Museo Británico); Benozzo Gozzoli utiliza resaltado con blancos y  marrón sobre punta de metal en ocre documento preparado para Cabeza de Monje (1447, Museo Condé, Chantilly); Andrea Mantegna utiliza la pluma y la tinta sobre los rastros de lápiz negro para crear un hombre que yacía sobre una losa de piedra (1470, Museo Británico); Andrea del Verrocchio utiliza pluma y tinta por sus estudios de cinco bebés (1470, Louvre); Sandro Botticelli utiliza la pluma y tinta y lavado marrón tenue sobre lápiz negro sobre papel pintada de rosa, aumentado con blanco para crear Abundancia o el otoño de 1480, (British Museum). Ver también: renacimiento en Florencia.

Artistas del alto Renacimiento (c.1490-1530)
Luca Signorelli utiliza tizas negras, rojas y blancas, el cuadrado en negro tiza y tinta marrón para su estudio por el prestamista en el Orvieto Anticristo (1500, Louvre); Leonardo Da Vinci utiliza un cepillo con témpera gris e iluminación de blancos, las huellas de pincel y tinta negro en el lino para crear “Pañería para una figura asentada (1470, Louvre)”; que utiliza la pluma y la tinta sobre los rastros de lápiz y claroscuro o juego de luces y sombras para producir Adoración de los Magos (1481), y el negro, tizas rojas y ocres con resaltado de color blanco para el Retrato de Isabel de Este (1499); Miguel Ángel utilizó tiza roja para sus dibujos Los estudios sobre el torso de Amán (1511, Museo Británico), Estudio para Adán (c.1511, Museo Británico); y tiza negra con trazos de lápiz sobre blanco por sus dibujos de Ignudo (c.1511) y más de pluma y tinta de lavado para crear el profeta David Reproducción de un salterio (1430, Museo Británico); Raphael utiliza tiza roja de Estudios para la Madonna Alba (1509), lápiz negro para el Retablo de San Nicolás de Tolentino (1500) y punta de metal para Cabeza de la Virgen y del niño (1504).

El dibujo en el siglo 16
El dibujo renacentista tardío del período manierista (c.1520-1600) fue ejemplificado por Jacopo Pontormo (1494-1556) en Florencia, Parmigianino (1503-1540) en el norte de Italia, y Tintoretto (1518-1594) en Venecia – en todos usó punta de metal y lápiz como vehículos esenciales de expresión. Sus dibujos están estrechamente relacionados con su pintura, tanto en contenido como en el método gráfico de contorno y una apariencia atrevida.

El dibujo durante el Siglo 16 y 17
Un centro importante de dibujo del siglo 16 era Bolonia, donde Annibale Carracci, junto con su hermano Agostino Carracci y su primo Ludovico Carracci, fundaron la “Academia degli Desiderosi” (más tarde llamado “Academia degli Incamminati”), que formó el núcleo de la escuela boloñesa de pintura (c.1590-1630). La academia Carracci defendió un estilo clásico del arte que dio gran importancia al dibujo meticuloso y firme.
En la primera parte del siglo 17, Jacques Callot (1592-1635) se destacó en el arte francés, no menos importante por sus ilustraciones gráficas de la Guerra de los Treinta Años. En la Amberes flamenca, Peter Paul Rubens (1577-1640) produjo una serie de estudios y bocetos que forman una parte integral de su producción creativa. Con el fin de difundir sus temas pictóricos, mantuvo su propia escuela de los dibujantes y grabadores, cuyos alumnos fueron Jacob Jordaens y Anthony Van Dyck. El artista holandés Hercules Seghers (1590-después de 1633) tuvo una enorme inventiva en sus interpretaciones de los motivos del Antiguo Testamento, y el amplio dominio de todas las técnicas de dibujo. La mayoría de los pintores de la Edad de oro holandesa del siglo 17, incluyendo Brouwer, Van Ostade, Pieter Saenredam (1597-1665), Paulus Potter (1625-1654), y la incomparable Rembrandt (1606-1669), también fueron dibujantes empedernidos que grabaron su temática ideas en dibujos que en su mayoría se completaron. En el siglo 17 de Italia, el dibujo se estableció plenamente en los planes de estudios de las Academias de Bellas Artes, en particular en Bolonia, Florencia y Roma. También es significativo, el desarrollo en curso de dibujo de paisaje, iniciado por los hermanos Carracci, Domenichino y Salvatore Rosa (1615-1673). El pintor francés con sede en Roma Claudio de Lorena fue más lejos y prácticamente creó su propio género de arte al aire libre paisaje italiano. Este dibujo del plein-aire fue practicado también por el clasicista francés, Nicolas Poussin, y los artistas holandeses Ene Asselyn (1610-1652), Claes Berchem (1620-1683), y Karel Dujardin (1622-1678), entre otros.

El dibujo durante el Siglo 18
En Francia, Jean-Antoine Watteau, como muchos otros, hicieron dibujos de “mantener la mano en” por su pintura: la mayor parte de las figuras de sus cuadros se basan en dibujos anteriores. Con más energía eran los artistas del siglo 18 de Francois Boucher, Jean-Honoré Fragonard, Hubert Robert, y Gabriel de Santo-Aubin, cuyos dibujos abrazado paisajes figurativos, estudios y obras de género similar.
En Venecia del siglo 18, excepcionales dibujos arquitectónicos de Canaletto de la ciudad fueron seguidos por un conjunto de pincel y de lápiz dibujos luminaristic de Giambattista Tiepolo (1692-1770) y su familia. El arquitecto Giambatttista Piranesi produjo luego sus potentes dibujos de la construcción de interiores y bóvedas misterioso ( “Carceri”). A finales del siglo 18, el artista español Goya produjo sus innovadores dibujos a pincel-y-optimistas que combinan los efectos luminaristic de dibujos de Tiepolo con el drama del claroscuro al estilo de Rembrandt.

El dibujo durante el Siglo 19
El principios del siglo 19 produjo un estilo de dibujo que volvió a insistir en el elemento lineal. Uno de sus grandes maestros fue el pintor académico J-A-D Ingres (1780-1867). Los nazarenos alemanes, así como románticos como Philipp Otto Runge (1777-1810) y Caspar David Friedrich (1774-1840) fueron sólo ligeramente menos rigurosos en el uso del punto fijo. Otros dibujantes lineal-inclinados incluyen el Inglés prerrafaelita John Millais (1829-1896) el realista norteamericano Thomas Eakins (1844-1916), así como maestros con sede en París como Picasso, Matisse, Modigliani y. Mientras tanto, los dibujos de Daumier emplean efectos de claroscuro pictóricas para hacer declaraciones contundentes de la crítica social.
De hecho, en general, Francia, y París, en particular, sigue siendo un centro de referencia del arte del dibujo, una forma que se ejemplifica en las obras extraordinariamente inventivas de Degas (1834-1917), Toulouse-Lautrec (1864-1901), Van Gogh (1853-1890), y Cézanne (1839-1906). La expresión Art Nouveau, con sus líneas sinuosas y curvas geométricas no se ejemplifica en los dibujos de Aubrey Beardsley.

El dibujo durante el Siglo 20
Los artistas expresionistas alemanes desarrollaron estilos particularmente enfáticos de dibujo con la delineación de gran alcance y formas exageradas. Los ejemplos notables se pueden encontrar en las obras de Ernst Barlach (1870-1938), Käthe Kollwitz (1867-1945), Alfred Kubin, Ernest Ludwig Kirchner (1880-1938), Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976), Max Beckmann ( 1884-1950), Oskar Kokoschka (1886-1980), y George Grosz. Otros aspectos destacados de dibujo incluyen las composiciones abstractas de Kandinsky (1866-1944), las de pluma y tinta sublimes dibujos de Paul Klee (1879-1940), y las obras figurativas del virtuoso del austríaco Egon Schiele (1890-1918), junto con su contraparte contemporánea Lucian Freud (b.1922). El dibujo fue particularmente importante en el trabajo de los pintores de la Escuela de París, como Pierre Soulages (b.1919) y Hans Hartung (1904-1989). Por supuesto, el ponente más prolífico de la Escuela de París fue Pablo Picasso, un artista que sabía exactamente cómo hacer uso de sus diversas posibilidades técnicas. Él es probablemente el mejor dibujante del siglo 20 y uno de los más grandes en la historia del arte.

Deja un comentario