El gótico es un estilo de arte que define aquellos edificios en los que se apuntan los arcos. Arquitectónicamente, los matices posibles de la transición del románico al gótico e incluso del arte bizantino al arte gótico son infinitos. Sin embargo, Venecia está llena de edificios góticos por definición, pero tiene un espíritu bizantino. Los arcos con contrafuertes de Monreale en Sicilia están más estrechamente relacionados con los bizantinos que los arcos de medio punto de Durham.
Cada elemento del diseño del edificio gótico transmite un mensaje teológico de la fascinación de la gloria de Dios. La naturaleza ordenada de la estructura refleja la claridad y la racionalidad de Dios, mientras que las esculturas (relieves y estatuas de columnas), vidrieras y murales ilustran los mensajes bíblicos de la Biblia. Los constructores involucrados incluyeron a los más grandes escultores de Europa, pero permanecieron en gran parte anónimos.
Características de la escultura gótica
En lugar de limitarse a la humanidad, el arte gótico se ha desarrollado en la dirección de la complejidad y la belleza y ha mezclado alegremente lo grotesco con lo elegante. Es esta mezcla la que le da su verdadero valor y por lo tanto, no se limita a una estatua o una pintura. Así, el arte gótico en sus aspectos separados no representa suficientemente el valor que tiene la obra integrada ya en su etapa final, ya que tiene toda la complejidad de la vida misma. Para ver el gótico en su impresionante belleza, basta contemplar las grandes catedrales, especialmente las del norte de Francia. Así, las catedrales se encuentran entre las creaciones más extraordinarias del hombre.
Si uno las examina más de cerca, observa el infinito e inquieto detalle escultórico y los trastes de textura. En el interior de las catedrales góticas encontramos un complejo sistema arquitectónico cuyos altísimos pilares y bóvedas de crucería, a simple vista, están tan eficientemente elaborados que las paredes apenas se notan y el efecto es más como un bosque formalizado que como una habitación cerrada.
Lo que más sorprende del arte gótico no es su forma o función, sino su capacidad para proporcionar un entorno ideal para cierto tipo de bellas artes. El espíritu gótico no es sólo vertical. Su esencia radica en su capacidad para sugerir no la perfección última de la razón clásica, como un templo griego, sino una búsqueda dinámica de lo inalcanzable. Las artes secundarias de la escultura y las vidrieras que tan fácilmente fomentó parecen surgir orgánicamente de él en lugar de imponerse. Como una planta viva, un edificio gótico puede enriquecerse de sus propias raíces, arrojar hojas, zarcillos y flores sin perder su unidad central.
Sin embargo, una serie de estatuas talladas de los siglos XIII y XIV podrían sacarse de sus nichos y colocarse junto a las mejores estatuas de la escultura renacentista italiana sin sufrir la comparación.
Solo las tres puertas del lado oeste de la Catedral de Reims contienen 33 figuras de tamaño natural y 200 figuras más pequeñas, cada una de ellas producto de una mente creativa con pasión y una tradición artesanal plenamente desarrollada. Y cuando uno recuerda que esta impresionante colección de escultura medieval se encuentra dentro de un área relativamente pequeña de uno entre cien edificios similares, uno se sorprende por la extraordinaria fecundidad de los siglos XIII y XIV en el noroeste de Europa.
Del mismo modo, se ha escrito mucho sobre la talla gótica desde el famoso capítulo de Ruskin sobre “La naturaleza del gótico” en Las piedras de Venecia. Inevitablemente, sin embargo, el historiador del arte, frente a una masa de obras de arte escultóricas góticas anónimas, tiende a considerarlas como productos de un período, en lugar de una colección de individuos excepcionales. A su pesar, se refugia en las generalizaciones.
En este sentido, el período gótico estuvo dominado por las catedrales en las ciudades, que se caracterizaron no sólo por su silueta altiva, sino también por su influencia política, económica y religiosa. La Catedral medieval es el monumento que define lo que llamamos arquitectura gótica. Este término, al que los románticos dieron protagonismo, se aplicó al nuevo estilo de arte religioso que se originó en Ile de France y floreció primero en el norte de Francia, extendiéndose a las tierras vecinas durante la segunda mitad del siglo XII y los dos siglos siguientes.
La escultura del período de expansión gótica fue concebida principalmente para el embellecimiento de las catedrales, con una escultura religiosa cristiana de otra época y una función totalmente diferente. Así, desde la escultura gótica, la Catedral y su decoración era el símbolo de una organización comunal, de un espíritu laico que había prevalecido sobre el monacato y el feudalismo. Por tanto, como tendencias del estilo neogótico en arquitectura, las catedrales se hicieron muy populares en toda Europa a partir de finales del siglo XVIII, teniendo en cuenta lo formal, lo simbólico y lo técnico para la valoración tanto de la escultura como de la arquitectura.
La columna gótica como estatua
La gran escultura gótica nació y evolucionó al ritmo de las catedrales, de las que era el adorno exterior, al igual que las preciosas decoraciones de los grandes santuarios góticos realizadas por orfebres. Así, la escultura invadió las fachadas de la Catedral, y se conjuga íntimamente con su severa arquitectura ayudando en el patrón de su división en pisos. Así, las torres que se levantaban sobre las naves laterales cerraban la parte central de la fachada y se levantaban sólidamente apoyadas en los potentes contrafuertes. Este último pasaba desapercibido a ras de suelo por la plenitud y profundidad de las jambas alargadas de los portales, que la escultura monumental ayudaba a aligerar. El conjunto del tímpano, las molduras del arco, el parteluz, las estatuas y los pedestales conforman la portada gótica. Asimismo, su iconografía habría ampliado considerablemente el contenido religioso de las fachadas románicas al asociar estrechamente las molduras de los arcos y espolones con el tímpano. Entre los temas grabados en ellos, además del Apocalipsis y el Juicio Final, hay escenas del Antiguo Testamento que se corresponden tipológicamente con las del Nuevo Testamento. Cada evento del período del antiguo pacto se refiere a un episodio del nuevo pacto. Así, la estancia de Jonás en la ballena prefigura a Cristo en la tumba, y Abraham sacrificando a Isaac evoca el sacrificio de la Cruz. Mateo, los padres de la iglesia y algunos teólogos medievales han establecido muy claramente estas comparaciones tipológicas. Un gran número de portales ofrecen a los fieles el ejemplo de la vida de los Santos. La Virgen ocupa un lugar privilegiado. Así, según la clasificación propuesta por Emile Male, el siguiente conjunto corresponde a los diferentes espejos del cristianismo gótico: la naturaleza y la moral y la ciencia histórica.
La escultura monumental también invadió las partes altas de la fachada gótica: hastiales, rosetones, galerías, entre otros. Fuera del edificio, arbotantes y espolones forman lugares aéreos, casi como tabernáculos, donde se alojaban las estatuas. En el interior, la escultura arquitectónica puede cubrir las superficies murales, como en la fachada interior de la Catedral de Reims, pero esto es inusual, ya que se trata de pilares esculpidos como el de la Catedral de Estrasburgo.
Por otro lado, las estatuas aparecieron muy temprano en los pilares del coro y la nave como en la Sainte Chapelle (1241-48) en París y la Catedral de Colonia. Por otro lado, los capiteles tallados ya no tenían el papel iconográfico que tenían en la época románica. El biombo de la Cruz que cierra el coro litúrgico proporciona un nuevo muro tallado. Sin embargo, la catedral también estaba adornada con estatuas de culto, retablos, muebles tallados y tumbas, cuya cuidadosa disposición se había vuelto esencial para la iconografía general.
¿Cuál es el legado de la escultura gótica?
Las esculturas monumentales asumieron un papel cada vez más destacado durante los períodos gótico alto y tardío y se colocaron en gran número en las fachadas de las catedrales, a menudo en sus propios nichos. En el siglo XIV, la escultura gótica se vuelve más refinada y elegante y adquiere una delicadeza amanerada en su elaborado y minucioso drapeado. La belleza elegante y un tanto artificial de este estilo se difundió ampliamente por toda Europa en esculturas, pinturas e iluminación de manuscritos en el siglo XIV y se conoció como el estilo gótico internacional. Una tendencia opuesta en este momento fue la del realismo intensificado, como se muestra en las esculturas de las tumbas francesas y en el trabajo vigoroso y dramático del escultor gótico Claus Sluter. Asimismo, la escultura gótica estuvo siempre ligada a la arquitectura, ya que se utilizó principalmente para decorar los exteriores de catedrales y otros edificios religiosos. Las primeras esculturas góticas fueron figuras de piedra de los santos y la sagrada familia para decorar las puertas o portales de las catedrales de Francia y otros lugares.
Las esculturas sobre el portal real de la Catedral de Chartres (c. 1145-55) cambiaron poco con respecto a sus predecesores románicos en sus modos rígidos, rectos, simples, alargados e hieráticos. Pero durante los últimos siglos XII y XIII, las esculturas tenían un tratamiento más relajado y natural, una tendencia que culminó en la decoración escultórica de la Catedral de Reims (c. 1240). Estas figuras, conservando la dignidad y monumentalidad de sus antecesoras, presentan rostros y figuras individualizados, además de ser complementos de drapeados y poses y gestos naturales, mostrando un equilibrio clásico, sugiriendo una conciencia de los antiguos modelos romanos por parte de sus creadores. Los principios góticos también son evidentes en las formas naturales de las plantas, siendo evidente el realismo, el repujado de los racimos de hojas que adornan los capiteles de las columnas.
¿Quiénes son los principales representantes de la escultura gótica?
Sin duda existieron en la Francia medieval, Alemania e Inglaterra, escultores individuales, cada uno de los cuales es digno de estudio por separado, como Nicola Pisano (c.1206-1278), Giovanni Pisano (c.1250-1314), Arnolfo di Cambio (c. 1240-1310), Giovanni di Balduccio (c.1290 – 1339), Andrea Pisano (1295-1348), Filippo Calendario (antes de 1315-1355), Jacopo della Quercia (1374-1438) y Donatello (1386-1466), pero dado que su trabajo se muestra sin sus nombres, carece de la atención de los historiadores del arte.